[Autre critique] Adieu au Langage, de Jean-Luc Godard (vu par R.C.)

Adieu au Langage
de Jean-Luc Godard
(Suisse, 2014)

Sortie le 21 mai 2014

★

Puisque le dernier (dans tous les sens du terme ?) (non-)film de Jean-Luc Godard en vaut visiblement la peine, Phil Siné vous offre un autre point de vue que le sien sur le film, celui du fameux R.C., dont vous pouvez retrouver les autres contributions via les liens sous l'article...

Au sujet du dernier film de Jean-Luc Godard, à Cannes, Jane Campion exprimait ainsi son avis : « Un film tellement moderne : il n’y a plus de récit, c’est une sorte de poème, voilà un homme vraiment libre ». Et puis Mao disait : « la liberté, c'est un peu comme une ogive nucléaire : il faut la laisser entre de bonnes mains ou elle explose. » Mao n'a jamais dit ça, mais on s'en fout.

À Cannes toujours, un prix fut (enfin) attribué à Godard, un prix qu'il devra partager avec Xavier Dolan. Cette récompense commune conforte ma vision du cinéma, qui n'est ni celle de Godard, nicelle de Dolan. De tous les maîtres en exercice, ces deux-là sont certainement ceux qui m'exaspèrent le plus. Les deux ont en commun d'être trop conscient d'eux-mêmes et de leur cinéma. Dolan a une grande sensibilité, il cadre très bien, filme très bien les visages, les tourments, possède un vrai sens du récit et de la dramaturgie. Tout cela est gâché par des effets de style ostentatoires. Il ajoute des images sur les images, de la musique sur la musique, du sens au sens et on ne peut s'empêcher de penser que c'est pour montrer qu'il sait faire. De film en film, cette attitude s'estompe, donc on garde bon espoir pour le prochain.

Godard fut le premier responsable de l'équation « cinéma = fantasme = image = rien du tout ». La plupart des cinéastes s'arrêtent judicieusement au fantasme ; quand ils vont plus loin, c'est beau, c'est glorieux, ils sont très contents d'eux-mêmes, mais ils ne font qu'atteindre la vacuité. À la différence de Dolan, Godard n'a jamais vraiment filmé ni l'intime, ni le sentiment, ni même une histoire. Il n'a filmé que des images. Sur ces images, il parle. Quand ses personnages parlent, c'est lui qui parle. Petit à petit, il fut amené à ne filmer que le langage. Images, personnages, récit : tout est devenu langage. Godard était voué à la vidéo : à l'apparition de la HD correspond une nouvelle période de son œuvre. À partir d’ « Éloge de l'amour », les aphorismes et les jeux de mots pourris se sont vus incrustés à l'image, il a pu construire des tableaux plus ou moins abstraits avec trois fois rien, triturer l'image et le texte dans tous les sens. Tout lui était permis. Libre !

Libre, oui, mais la liberté a un prix et c'est nous qui le payons.

Comme Lynch avec « Inland Empire », Godard a dépassé sa limite. Ce n'est pas pour rien que son film s'appelle « Adieu au langage » : même le langage, il y a renoncé. C'est beau, c'est glorieux, mais qu'est-ce que c'est pénible ! Ainsi, les dialogues, les musiques et les plans s'interrompent subitement, se superposent, s'enchaînent, dirait-on, aléatoirement, on ne va jamais au terme d'une idée. Dire qu'on ne comprend pas serait en dessous du ressenti. Il y a une différence entre ne pas comprendre et ne pas faire sens : on ne comprend pas toujours Lynch ou Greenaway (pour prendre un autre intellectuel-cinéaste) mais une émotion est transmise par le sens. Ici, les images ne font même plus sens. Ce n'est pas non plus surréaliste car ce n'est plus du langage et il n'y a plus d'articulation avec le réel. Quant au fantasme et au rêve, on l'a dit, ils sont pour Godard dépassés depuis longtemps. On pourrait chercher pendant des heures, impossible de savoir à quoi renvoie tel concept, mais, plus grave, impossible de ressentir quoi que ce soit devant ce flot de... de quoi, au juste ? D'images ? Non. Dépassées aussi, les images. À un moment dans le film, il est question de zéro et d'infini, « les deux plus grandes inventions ». On sait en mathématiques que l'un et l'autre sont équivalents. Godard le prouve s'il en était besoin. Un aphorisme de plus. Presque un axiome.

On pourrait penser qu'il se fout de notre gueule mais je crois qu'il est très sincère dans sa démarche. Peut-être sommes-nous trop con, après tout ? La sincérité a un prix et c'est nous qui le payons.

Le film a de grandes qualités formelles : le montage est génial, le chien est bon acteur, il y a de jolies couleurs et un jeu esthétique constant. En petit dictateur, c'est Godard qui décide quand le jeu cesse, ou non. Pareil chez Dolan, ou Honoré, Donzelli, parfois Desplechin, bref : tous ceux qui se revendiquent de la Nouvelle Vague, ceux qui filment des images. Ceux-là semblent dire quelquefois : « Vous n'y croyez pas ? Parfait, moi non plus. Passons à autre chose. Essayons autre chose et on verra bien. » Pour ces cinéastes, par ailleurs talentueux, le hors-champ existe à peine, il vaut mieux en montrer trop que pas assez. Et leur film va ainsi de surprise en surprise, d'une tentative formelle à une autre, toujours gratuites, quelquefois exaltantes. Mais il en va de même avec les surprises que pour le fantastique : j'avais lu une critique de « Quoi ? » de Polanski, laquelle expliquait qu'à force de tout rendre possible on ne croyait plus en rien. Comment appréhender le domaine des possibles quand on admet d'emblée que tout est permis ? Comment s'inquiéter du sort d'un personnage si n'importe quel deus ex machina peut le tirer d'affaire ? Bien sûr, les personnages n'existent pas chez Godard – seul Godard existe chez Godard –, et j'ai sans doute tort de tout rapporter au cinéma narratif ; mais sur le plan visuel aussi : comment s'émerveiller d'une surprise si un effet chasse l'autre ? On dit souvent que Godard est punk mais il s'en tient à sa formule pépère tout au long du film. C'est beau, c'est glorieux, mais est-ce vraiment de l'audace ?

La seule vraie innovation, c'est la 3D. Il faut dire pour le coup qu'elle est particulièrement réussie. Quitte à s'infliger la 3D, mieux vaut peut-être voir celle-ci que celle des X-Men ou de Godzilla. Mais attention : la 3D a un prix et c'est nous qui le payons ! En l'occurrence, les lunettes étaient gratuites (petite pub pour le cinéma du Panthéon [à Paris, ndlr] : les lunettes sont prêtées gratuitement, les cartes illimités sont acceptées mais en contrepartie il n'y a pas de tarif réduit pour ceux qui en bénéficient d'habitude). Non, le prix de la 3D est avant tout physique : Godard ne prend pas toujours la peine d'ajuster la distance entre les deux caméras. Donc on souffre, on se demande si on n'aura pas besoin de passer chez l'ophtalmo après la séance. Mais par moment, le jeu avec le point ou la profondeur est brillant. Il y a aussi et surtout cette idée, si bête que l'on s'étonne que personne ne s'en soit jamais servi : des personnages réunis dans le champ se séparent ; une des deux caméras reste sur le premier, l'autre caméra suit le second tandis que leur dialogue se poursuit. Si on garde les deux yeux ouverts, les deux images se superposent (mal de crâne garanti !) Mais si on ferme un œil, l'image est nette sur l'un des personnages. Si on ferme l'autre, on voit le contrechamp, l'autre personnage. L’œil droit voit une image, l’œil gauche une autre. C'est donc à nous de faire le montage à notre guise. Voilà la vraie liberté ! Celle qui nous est offerte et non pas celle dont on abuse.

Sur ce plan-là, grande audace, donc, et modernité, c'est vraie, et une certaine poésie (mais qui a un prix... et que nous payons...). Car la liberté... la vraie liberté, pour Godard, n'est-elle pas celle de faire chier les autres ? À l'écran, en tout cas, ça se vérifie – par deux fois l'adepte de la métaphore n'a pas peur d'être très littéral. Du côté des spectateurs, en plus de nous crever les yeux, Godard nous broie les tympans : quand Mary Shelley écrit « Frankenstein » (allez savoir pourquoi il y a Mary Shelley dans le film), le passage de sa plume sur le papier est aussi crispant qu'une craie stridente sur un tableau, et ce pendant une à deux bonnes minutes. Au moins, on ne risque pas de s'endormir : on a trop mal aux yeux et, environ toutes les trente secondes, des variations d'intensités sonores nous réveillent. On imagine Godard le sadique, Godard le facétieux, Godard l'intransigeant, apprenant que lui aussi a un prix, finalement – le Grand Prix du Jury. Au prophète du cinéma, au cuistre sublime on n'a heureusement pas fait l'affront de remettre une palme pour l'ensemble de sa carrière – c'eût été d'autant plus bête qu'il ne montre aucun signe de fatigue –, mais quand même, avouons-le, il va bien nous manquer.

Contrepoint :

Adieu au Langage vu par Phil Siné

Autres films de Jean-Luc Godard :

A bout de souffle (1960)

Film Socialisme (2010)

Autres contributions de R.C. :

Les adieux à la reine, de Benoît Jacquot

Die Hard : Belle journée pour mourir, de John Moore

Into the abyss, de Werner Herzog

[Critique pouetique] Adieu au Langage, de Jean-Luc Godard

Adieu au Langage
de Jean-Luc Godard
(Suisse, 2014)

Sortie le 21 mai 2014

★

Un film de Jean-Luc Godard, en 3D relief. C’est une expérience stéréoscopique nouvelle, avec des audaces et des manquements sans doute volontaires aux règles élémentaires de la syntaxe tridimensionnelle, pour mieux faire diverger les yeux du spectateur. Dix vergers, dix verges. J’ai eu mal aux yeux en regardant le nouveau film de Jean-Luc Godard. Ah, Dieu ! Ah, d’yeux ! Et puis il y a des acteurs, et puis il y a des dialogues… Adieu, oh ! langage… comme tu nous parles !

Il y a encore de la mise en scène. Ici et là. Si l’on peut appeler cela de la mise en scène. Et qu’est-ce que la mise en scène sinon le film lui-même ? Mais c’est un film d’art. Un film de Godard. Ca cite à tous les plans, parfois la phrase s’arrête ou continue, et il y a du bruit… pour réveiller le spectre à teur ? Il y a de jolies couleurs aussi. Et de la musique… Notre musique ? On ne sait pas. L’Europe n’existe pas. Et qu’est-ce que l’Histoire ? N’est-ce que le cinéma ? Est-ce la fin de l’histoire du cinéma ? J’ai eu bien mal à la tête en regardant le nouveau film de Jean-Luc Godard. Adieu aux langues… âge de Godard ?

Cette chienne de Roxie est quand même rudement bonne… devant la caméra ! Il y a une chienne, oui, et puis il y a une chatte, c’est normal. Il y a des images, de la poésie, des mots. Des gens qui disent des mots dans les toilettes. Il y a de la merde donc. La poésie de la merde. C’est flou. C’est beau. C’est laid. C’est long. C’est lent. Ceylan ? La palme dort… et qui dort dîne ! J’ai dormi en regardant le nouveau film de Jean-Luc Godard. Quelqu’un m’a même dit que j’avais un peu ronflé… mais ça participe à la poésie de la projection. Car qu’est-ce qu’une projection sans spectateurs, même endormis, même ronflant ?

La dernière projection d’un film de godes d’art. Branlette intellectuelle. C’est beau comme un Godard, on reste même si on ne comprend pas. Godard parle à Godard, et comprenne qui pourra. Tant

pis ! Et puis c’est un peu bien aussi. Mais uniquement parce que c’est un Godard. Un film peut-être. Une toile de maître sans doute, même si elle pique les yeux… On regarde, mais on n’entend pas. Ou on entend ronfler le spectateur. Ah, Dieu ! Oui, disons tout de même Adieu Godard !

Contrepoint :

Adieu au Langage vu par R.C.

Autres films de Jean-Luc Godard :

A bout de souffle (1960)

Film Socialisme (2010)

[Critique] Maps to the stars, de David Cronenberg

Maps to the stars
de David Cronenberg
(Canada, Etats-Unis, France, Allemagne, 2014)

Sortie le 21 mai 2014

★★

David Cronenberg revient avec une œuvre qui comme toujours attise les contraires : « Maps to the stars » est remplie de cette « inquiétante étrangeté », de ce mélange d’attraction et de répulsion que suscite toujours son cinéma si particulier. Si le titre évoque ces cartes que l’on distribue aux touristes à Los Angeles pour localiser les maisons des stars à travers la ville fantasmée, c’est bien à cette intrusion dans leurs vies intimes que se livre le cinéaste ici… Il propose alors une vision proprement terrifiante du rêve hollywoodien, définitivement détruit et perverti par une réalité déliquescente, composée de drogues, de perversité, de violence et de moult comportements pathétiques…

"Ce n’était pas un scénario fait pour être tourné tel quel, explique Cronenberg, Bruce [Wagner] le décrivait comme une catharsis, quelque chose qu’il devait faire". Une « catharsis » pour affronter les affres et les dépravations de Hollywood, véritable Sodome ou Gomorrhe du cinéma actuel… « Maps to the stars » baigne dans un cynisme hallucinant, en décrivant une galerie de personnages tous bien atteints ! Julianne Moore, qui n’a pas volé son prix d’interprétation à Cannes, incarne d’ailleurs incroyablement Havana, cette actrice vieillissante, terrifiée à l’idée d’être remplacée par d’autres jeunes starlettes et dont la gloire même a toujours été en partie éclipsée par le fantôme de sa mère, elle-même star adulée… Mais il y a aussi le personnage de Benjie, enfant star de 13 ans déjà en prise aux drogues et à la mégalomanie de ce milieu d’ego démesurés, ou encore celui de Agatha, une mystérieuse jeune fille au visage brûlée qui deviendra l’assistante de Havana et qui cache visiblement un secret… Tous sont prêts à tout pour arriver à leur fin, quitte à laisser s’exprimer leur folie !

Le cynisme de Cronenberg est toujours tempéré par un humour noir, aussi froid et clinique que sa mise en scène comme toujours magistrale et visionnaire… Que penser de l’enthousiasme irrationnel de Havana quand elle apprend la mort de l’enfant de celle dont elle pourrait reprendre le rôle ? Et l’on ne dira rien du déchaînement de violence final, qui viendra clore un film grandiose sur la décadence hollywoodienne… Une décadence apparemment basée sur un des interdits majeurs de nos sociétés, l’inceste, qui revient étrangement et régulièrement dans le scénario du film… Le réalisateur lui-même en explique très exactement les enjeux et le sens : « C’est un type d’inceste assez spécial. On connaît mieux les relations père-fille, ou mère-fils. Le monde du cinéma est incestueux en ce qu’il est très limité, même si sa diffusion est mondiale… C’est un tout petit groupe de gens qui ne cessent de se rencontrer, dans les mêmes restaurants, les même quartiers, ou dans les festivals, par exemple. Tout le monde a les mêmes problèmes, les mêmes discussions, les mêmes centres d’intérêt. Et Hollywood est une communauté incroyablement petite. Donc l’inceste est dans le business, la sensibilité et la créativité. Les résultats tendent à confirmer la nature dangereuse de l’inceste telle qu’un généticien pourrait la définir : prenez les grands studios hollywoodiens, les films qu’ils produisent semblent être le fruit d’une union incestueuse. »

Reste une légère note d’espoir à travers les vers du poème de Paul Eluard, récité à plusieurs reprises par les personnages, sur le mode « J’écris ton nom : Liberté ». Sauf que ce rêve de liberté, perverti par leur rêve de gloire par l’annihilation de toute concurrence, n’est bien sûr qu’illusoire… ajoutant encore du pathétique au pathétique de tous ces piteux personnages, dont l’existence de « stars » ne nous fait définitivement plus rêver…

Autres films de David Cronenberg :

Chromosome 3 (1979)

Cosmopolis (2012)

A Dangerous Method (2011)

Faux-Semblants (1988)

La mouche (1986)

Scanners (1981)

[Série] X-files : Aux frontières du réel, créée par Chris Carter (4/5)

X-files : Aux frontières du réel
créée par Chris Carter
(Etats-Unis, 1993-2002)

★★★★♥

[Panorama en 5 épisodes de la série culte des années 90]

4. Une série "out there"

« The truth is out there » clame le générique de la série « X-files ». Cette sentence, traduit en français par "la vérité est ailleurs", est le fondement même de la philosophie de la série. Elle pose d'emblée le précepte que rien, sans exception, ne peut être acquis, et que toute vérité demeure instable et par là même insaisissable...

Depuis son commencement, le feuilleton se veut inquiétant et la meilleure façon qu'il trouve pour y parvenir est de laisser constamment le spectateur dans le doute et le questionnement, balisant son chemin de multiples chausse-trappes et de faux-semblants. Il demeure probablement l'une des seules fictions télévisuelles de l'ambiguïté pure ! La vérité et les savoirs vacillent incessamment ; tout change et tout bascule quasiment à chaque nouvelle scène.

Ce que le spectateur voit à l'écran, c'est uniquement les morceaux d'un tout, perçus par une conscience subjective. Non seulement, il ne connaît jamais le tout (la Vérité inatteignable), mais en

plus on ne lui propose que des interprétations des faits. Seuls les hypothèses et les convictions des divers personnages sont rapportées. Les épisodes se suivent et ne font qu'accumuler les incertitudes, à force justement de multiplier les explications possibles, dont aucune n'est définitive ! Scully le dira elle-même à propos des « affaires non-classées » (le service du FBI dans lequel travaillent les agents) : celles-ci ont finalement pour rôle d'ouvrir des portes qui mènent à d'autres portes...

Multipliant les incertitudes, la série n'est ainsi jamais rassurante. Le parti pris artistique n'arrange guère les choses, puisque chaque épisode se révèle virtuose dans l'art de l'ellipse et de nombreux personnages demeurent désespérément insaisissables, jouant double ou triple jeu et répandant contrevérités sur contrevérités.

Tout ne semble que faux-semblants dans les « X-files ». Le spectateur reçoit des bribes d'informations éparses, qu'il doit de lui-même tenter de rassembler et de lier pour essayer de comprendre... Seulement comme les choses ne sont jamais ce qu'on croit qu'elles sont, il demeure bien souvent impossible de saisir la vérité. Est-ce à dire qu'elle n'existe pas ? Ou alors qu'elle est propre à chaque être humain ?

Ce qui est fascinant, c'est qu'à chaque rebondissement et qu'à chaque nouvelle découverte, les nouvelles théories échafaudées tiennent la route par rapport à tout ce qui a précédé. A ce propos, les critiques, qui ont accusé au bout de plusieurs saisons la série de se perdre en incohérences et invraisemblances, sont dans l'erreur la plus complète... Tout simplement parce que dans « X-files », rien n'est jamais dit ou montré clairement, tout ce qui est montré à l'écran n'est que le résultat de l'appréhension de personnes simplement "témoins" d'évènements et la vérité demeure ainsi masquée par la multitude des possibles. La vérité est définitivement ailleurs, et c'est très bien comme ça... Sans explication définitive, la série gagne paradoxalement en crédibilité et en qualité !

(A suivre...)

The X-files, retour sur une série culte :

1. Une série accidentelle

2. Une série révolutionnaire

3. Une série culte

4. Une série "out there"

5. Une série messianique

[Critique] Deux jours, une nuit, de Jean-Pierre et Luc Dardenne

Deux jours, une nuit
de Jean-Pierre et Luc Dardenne
(France, Belgique, 2014)

Sortie le 21 mai 2014

★★★★♥

Comme tous les autres films des frères Dardenne, « Deux jours, une nuit » relève quasiment du miracle : le miracle d’une mise en scène qui parvient l’air de rien à nous imposer des choses insoupçonnées ! A partir d’une histoire étonnamment simple et dépouillée, pour ne pas dire banale, les réalisateurs réussissent non seulement à la transcender pour décrire avec précision et vérité la réalité du monde, mais ils le font en offrant aux spectateurs un film aux allures de thriller, qui tient en haleine d’un bout à l’autre…

L’excellence de la mise en scène des cinéastes belges bi-palmés à Cannes se repère en outre à leur direction d’acteurs, au service constant des personnages qu’ils décrivent… A l’instar d’une Cécile de France dans « Le gamin au vélo », les Dardenne emploient ici de façon très inhabituelle dans leur cinéma une star, Marion Cotillard, qu’ils parviennent à rendre extrêmement malléable à leurs désirs. Que l’on aime ou non l’actrice, au fond peu importe, puisqu’on oublie parfaitement ici Marion Cotillard, qui s’efface totalement derrière son personnage, comme ce que tout acteur devrait pouvoir faire à chaque rôle qu’il « habite »…

Et quel personnage on suit à l’écran dans « Deux jours, une nuit » ! La caméra ne quitte jamais de son champ Sandra, filmée de dos, de face ou sous toutes les coutures, une jeune femme tout juste sortie de dépression que l’on s’apprête à licencier de son entreprise… à moins que la majorité des employés accepte de renoncer à leur prime afin de conserver l’emploi de Sandra. Aidée par son mari, Sandra va passer tout son week-end à « travailler » à convaincre ses collègues de voter pour qu’elle reste, dans un mélange de fragilité et de combativité, de résignation et d’espoir, de culpabilité et de haine…

Tous ces sentiments sont montrés avec subtilité via les réactions des personnages que Sandra va croiser. Des réactions multiples et contrastées qui évoque l’infinité des êtres qui composent ce monde… mais qui décrivent surtout l’horreur dans laquelle le libéralisme et le patronat enferme les salariés modestes. Bien sûr que tout le monde a besoin de cette prime de 1000 euros, bien sûr que tout le monde est dans la merde… choisir entre l’argent et une collègue, voilà ce que le monde moderne oblige à faire. Comment juger les comportements parfois pas très classe de ces pauvres gens ? Les émotions sont constamment à fleur de peau : la culpabilité d’un jeune travailleur qui s’effondre en larme devant Sandra parce qu’il a voté contre elle et qu’il s’en veut, la violence d’un autre jeune qui accuse Sandra de vouloir leur prendre « leur » argent alors qu’elle était absente lors de sa dépression… Avec peu de mots et des confrontations apparemment simples, les Dardenne posent des questions profondes et pertinentes sur le délabrement du monde, sur la compétitivité irrationnelle imposée aux entreprises, sur la destruction inéluctable des solidarités…

De « solitaire » à « solidaire », il n’y a pourtant qu’une lettre que certains ne sont pas près à remplacer, abruti et effrayé par la misère qu’on leur impose… Mais si Sandra se sentira bien seule, souvent découragée et prête à commettre le pire, elle ressortira grandie de cette histoire. Peu importe l’issue du vote à son travail, une forme d’espoir, porté par certaine personne qu’elle aura croisé, se sera tout à coup immiscé en elle… Comme avec « Le gamin au vélo », tout n’est plus aussi noir et désespéré dans le cinéma des frères Dardenne avec « Deux jours, une nuit » : tout va mal, certes, mais une forme de volonté de changer les choses semble poindre… Contrairement à une « Rosetta » par exemple, Sandra n’est pas prête à prendre la place d’un autre pour rester : elle refuse de participer à un système qui détruirait les parcelles d’humanité qui vivent encore en elle… Déchirant !

Perspective :

Le gamin au vélo, de Jean-Pierre et Luc Dardenne

[Sortie DVD] Nymph()maniac, de Lars von Trier

Nymphomaniac

de Lars von Trier

(Danemark, Allemagne, France, Belgique, 2013)

Sortie en DVD et Blu-Ray chez Potemkine Films et Agnès B. DVD

Et si l’héroïne de « Nymphomaniac » n’était au fond pas une femme perverse mais bel et bien une simple femme de chair, humaine et « normale » qui ne fait que se livrer à l’appel « naturel » des
sens… Seul le regard des autres, les considérations sociales, religieuses ou pseudo-morales de la société font de sa vie l’enfer qu’elle devient… Ce n’est pas elle qui a tort, mais la
civilisation où elle est née, qu’il convient alors de condamner !

Pour vous faire une idée plus précise du passionnant et profondément intelligent contenu du nouveau chef-d’œuvre de Lars von Trier, vous pouvez bien sûr lire ou relire sur ce blog les critiques
proposées par Phil Siné, du volume 1 et du volume 2 du long métrage… Mais le mieux est quand même de vous procurer les
supports vidéos et de regarder par vous-mêmes ce film désormais essentiel !

Le calendrier de leurs sorties semble compliqué, mais en fait non : côté DVD, Nymphomaniac volume 1 est sorti le 6 mai 2014 et le volume 2 sortira le 3 juin 2014 ; côté Blu-Ray, les deux volumes
sortent sur un même support le 3 juin 2014.

En bonus, vous trouverez une petite heure d’interviews globalement intéressantes, voire carrément passionnantes : celle de Stellan Skarsgard (qui joue Seligman dans le film) propose notamment une
brillante analyse de la carrière entière de Lars von Trier ! Et on lui doit ces bons mots drôlissimes, pour expliquer combien il n’est pas logique que le cinéma se montre si prude d’habitude : «
ça ne devrait pas être plus étrange de voir une bite pénétrer une chatte qu’une cuillère pénétrer une bouche avec du porridge »… Les autres interviews de Stacy Martin, Shia Labeouf et Charlotte
Gainsbourg, ainsi que l’entretien entre Jorgen Leth et Philippe Rouyer, valent eux aussi le détour, même si l’on reste frustré d’un nombre de bonus finalement assez limité…

Précisons enfin qu’une édition collector de la « version longue et non censurée » (le montage initial de Lars von Trier, donc… du moins, on suppose !) sortira elle en octobre 2014… L’occasion de
proposer un bonus de boni, avec pourquoi pas un making of et les bons mots de Lars en personne ?! I want to believe…

Perspectives :

Nymphomaniac : Volume 1, de Lars von Trier

Nymphomaniac : Volume 2, de Lars von Trier

[Best Of] Festival de Cannes

A l'occasion du 67e Festival de Cannes,
petit passage en revue des films primés dont Phil Siné vous a parlé en ces pages... Bonnes (re)lectures !

Palme d'or :

2013 La vie d’Adèle, d’Abdellatif Kechiche

2012 Amour, de Michael Haneke

2011 The tree of life, de Terrence Malick

2010 Oncle Boonmee (celui
que se souvient de ses vies antérieures), d’Apichatpong Weerasethakul

2000 Dancer in the dark, de Lars von Trier

1990 Sailor et Lula, de David Lynch

1976 Taxi Driver, de Matin Scorsese

1974 Conversation secrète, de Francis Ford Coppola

1964 Les Parapluies de Cherbourg, de Jacques Demy

1963 Le Guépard, de Luchino Visconti

Grand Prix :

2013 Inside Llewyn Davis, d’Ethan et Joel Coen

2011 Le gamin au vélo, de Jean-Pierre et Luc Dardenne

2010 Des hommes et des dieux, de Xavier Beauvois

2006 Flandres, de Bruno Dumont

1971 Johnny s’en va-t-en guerre, de Dalton Trumbo

Prix d'interprétation féminine :

2013 Bérénice Bejo dans Le passé, d’Asghar Farhadi

2011 Kirsten Dunst dans Melancholia, de Lars Von Trier

2010 Juliette Binoche dans Copie conforme, d’Abbas Kiarostami

2000 Björk dans Dancer in the dark, de Lars von Trier

1958 Bibi Andersson, Eva Dahlbeck, Barbro Hiort af Ornäs et Ingrid Thulin dans Au
seuil de la vie, d’Ingmar Bergman

Prix d'interprétation masculine :

2012 Mads Mikkelsen dans La chasse, de Thomas Vinterberg

2011 Jean Dujardin dans The Artist, de Michel Hazavanicius

2010 Javier Bardem dans Biutiful, d’Alejandro González Inárritu

2009 Christopher Waltz dans Inglorious basterds, de Quentin
Tarantino

Prix de la mise en scène :

2011 Drive, de Nicolas Winding Refn

2010 Tournée, de Mathieu Amalric

2009 Kinatay, de Brillante Mendoza

1987 Les ailes du désir, de Wim Wenders

1986 After Hours, de Martin Scorsese

1979 Les moissons du ciel, de Terrence Malick

1958 Au seuil de la vie, d’Ingmar Bergman

Prix du scénario :

2013 Jia Zhang-Ke pour A Touch of Sin, de Jia Zhang Ke

2009 Mei Feng pour Nuits d’ivresse printanière, de Lou Ye

1974 Steven Spielberg, Hal Barwood et Matthew Robbins pour Sugarland Express, de
Steven Spielberg

Prix du Jury :

2011 Polisse, de Maïwenn

2010 Un homme qui crie, de Mahamat Saleh Haroun

2009 Les herbes folles, d'Alain Resnais

2004 Tropical Malady, d’Apichatpong Weerasethakul

1972 Abattoir 5, de George Roy Hill

Queer Palm :

2013 L’inconnu du lac, d’Alain Guiraudie

2012 Laurence Anyways, de Xavier Dolan

2010 Kaboom, de Gregg Araki